MON JOURNAL DE GUERRE

Parce qu'il n'ont pas peint de scènes de genre chrétien, David et Géricault sont des peintres chrétiens.

Lorsqu'il ne peint pas de scènes de genre chrétien, Ingres est un peintre chrétien.

Une Eglise sans peintres n'est pas une Eglise catholique, c'est une secte juive ou protestante.

FRENCH ATTACKS

BECAUSE THEY DID NOT PAINTED 'RELIGIOUS PEACES', THEODORE GERICAULT AND JACQUES-LOUIS DAVID WERE CHRISTIAN PAINTERS.

EXCEPT IN HIS 'RELIGIOUS PEACES', JEAN-DOMINIQUE INGRES IS A CHRISTIAN ARTIST.

A CHURCH WITHOUT PAINTERS IS NOT A CATHOLIC CHURCH BUT A JEWISH OR GERMAN SECT.

American Prejudice

David Hockney’s theory explaining that the French “neo-classicist” painter Jean-Dominique Ingres (1780-1867) was using a “camera lucida” as a guide for his work illustrates how artless the prejudices of the contemporary art-criticism are.
No doubt that Hockney and his million-dollar “masterpieces” is one of the contemporary pop-art popes. How could not be such a successful artist trusted by a majority of art-collectors?

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Although not only one qualified historian approved this teleological theory but mostly "art-dealers" or critics involved in the business, D. Hockney published and sold a book trying to convince of it’s seriousness. It is difficult to estimate the influence of Hockney’s opinion, but the fact is that he sold a lot of books. Secret Knowledge was even translated in French and some art teacher’s are teaching it uncarefuly.

Choosing Ingres as an example proves that Hockney is not realy aware of what he is promoting. This example is particularly bad because the Master of Montauban is well known to have tried to imitate Raphael’s method, the less "photographic painting" ever painted.
In this way, Ingres is fighting especially against the Dutch painting which uses the “chiaroscuro” as a dramatic effect -too much in his mind.
In the old philosophic dispute between “drawers” and “colourists”, starting from the Renaissance until the XIXth century, which can be translated in the XIXth as the fight between “classicism” (the drawing) and “romantism” (the colour), Ingres takes place in the camp of “drawers”.
The choice of Ingres is to defend the drawing as the “honesty of art”, to use the colour as anything else than “one way of”, not as a “goal”.
Thus, the master from Montauban misprizes the impression of light and shade, on which the mechanical process of a “camera lucida” or a Daguerreotype is based on.
More than that, Ingres indicated to his pupils not to compose their workings like some famous Dutch painter (as Rubens or Vermeer) did. In this respect, Rembrandt is viewed by Ingres as a good little master, not more, compared to the classical Italians, Raphael or Michelangelo, who are in the Pinnacle.
J. Vermeer was probably using a lens to help him to create the depth of focus which caracterizes most of his pieces. Its a non-sense for Ingres, an inversion in a method which is promoting the beautiful shape, the beautiful body and the balance, inspired by the Greek sculpture.
Because of the triumph of romantism over classicism, the criticism of Rubens work by Ingres is difficult to admit and even understand now. But this is a key of art history far more intersting than Hockney's ridiculous speculations upon old master's using of a camera lucida. The shame on the european University to let this kind of theory swell.

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At this point, it is important to understand that Hockney’s “photographic point of view” on old masters is not especially his own.
It would be too simple to think that D. Hockney was only envious of Ingres’ talent so that he deduced that Ingres was benefiting of a miraculous mechanical process (“Genious ex Machina”).
The prejudice of D. Hockney is obviously determinated by G.W.F. Hegel famous and thick treatise on Aesthetic (1827-1830) too. This is the more complete romantic system. None of the self-styled “post-modern” philosophers comes out of the orbit of Hegel.
Even if Hegel understand that there is more in old master’s painting than a raw standard-measure of shape based on light and shade, he is conferring an autonomous power to light in his ambiguous romantic language. In Hegel’s explanation, the light becomes a subject, the light is seen as a “Spirit”.
It is rather interesting to observe that Hegel, who studied modern politics and right too, is doing exactly the same in these subjects, idealizing the State, seing the State as God! The German thinking from which the US thinking comes.
The more curious result of this Hegel’s aesthetic principle is that, starting from the Idea, Hegel is conjuring the abstract thinking of the painting away in the end! Taking the highway of History the wrong way, Hegel is discovering the Progress.
Of course Hegel’s theory is more balanced than Hockney's one, because he is not seeing the nature only as a "shape drawed by the light and shadows". But no doubt that Hegel has a big influence on contemporary art philosophy.

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Is it just a tempest in a glass of water? The best way to appreciate it is to ask the question differently, as following: “Would have the art of Hockney been different without such prejudices on the art history?”
In my opinion, there is no doubt that great painters “paint as they think” that is to say that they are influenced by new ideas and new scientific discoveries after a while. Philosophy and Science are part of the principles of the European Renaissance movement to which Ingres refers constantly. It is the reason of the interest of great masters like Leonardo or Albert Durer for humanist philosophy.

A few signs coming from Russia are indicating that there is a political willing in the Eastern part of Europe to do it new. On different basis.
Russian painters and collectors seem to be attracted like Ingres was, after his revolutionary master Jacques-Louis David (1748-1825) by the Italian Renaissance. As the Italian classicism is characterized by a scientific bias, in this perspective Russian artists should go beyond naives theories on art and be more confident in historians to give them a better and faster progress.

Tirer le portrait

D'avoir pu admirer en passant deux ou trois portraits magistraux du Titien et de Vélasquez dans le nouveau temple japonais de la Joconde, à une heure silencieuse, m'a fait changer d'avis. Tant pis pour Clarisse Strozzi, j'ai choisi plutôt le Grand Palais et les "portraits XVIIIe et XIXe". Une expo plus didactique, limite intello, mais les bobos devant les Titien au Luxembourg… leurs réflexions étranges et cocasses m'auraient déconcentré et auraient gâché ma joie à coup sûr – des perles pour les cochons du Marais ou de Saint-Germain-des-Près.

Comme on sait, la fin du XVIIIe est une période de grand chambardement, la période où l'art aristocratique jette encore quelques flammes : David, Ingres, Géricault, et puis la nuit.

« En vérité, écrit Gautier en 1837, il faut une grande puissance d'idéalisation pour parvenir à faire quelque chose de beau et de poétique au milieu de toute cette laideur et de toute cette pauvreté de forme où nous sommes arrivés. » Il en a de bonnes, Gautier ! C'est à pleurer… Nous autres, citoyens de la Ve, on tire la langue jusque par terre de soif, on a pas Delacroix, pas même Daumier, Guys ou Decamps, Chenavard, rien, on a plus qu'à lécher les murs du Louvre. Un Winterhalter surgirait aujourd'hui, on le prendrait pour un géant ! C'est dire si nous sommes nabots… Baudelaire n'aurait certes plus la candeur d'interpeller le bon sens du bourgeois…

Dans cet ensemble hétéroclite de figures peintes ou sculptées, on peut faire le tri. On passe du pur-sang au baudet. Girodet peut-il aider le profane à piger pourquoi Goya est grand ? Encore une fois, il est permis d'en douter.
Il y a d'autres angles de réflexion, les commissaires des musées en fourbissent quelques-uns dans leur gros catalogue. Guilhem Scherf est celui d'entre eux qui galvaude le moins l'intelligence de l'art avec des notices qui ne sacrifient pas à la mode du flou philosophique.

L'avènement de la bourgeoisie, écrit Scherf, dont je traduis quand même le langage de fonctionnaire un peu guindé, explique cette prolifération de portraits d'inégale qualité. Les bourgeois se prennent pour des maîtres et voudraient tous être aussi immortels que les aristocrates qu'ils ont renversés. La demande augmente, il faut y répondre en proportion, mais cette proportion implique une baisse de la qualité.

Par leurs idées bizarres aussi, les bourgeois font du tort au portrait. Ils n'hésitent pas à se faire portraiturer en couple, quand ce n'est pas carrément en famille, au milieu du salon ; surtout ils ont du mal à contenir leur sentimentalisme. Beaucoup de ces tableaux peuvent être regardés, au second degré, comme des tableaux comiques, tant certaines poses des nouveaux maîtres sont ridicules. La caque sent toujours le hareng. Est-ce Monsieur Bertin qui est immortel ou bien sa dégaine de patron de presse ?

On débouche ensuite sur de petites controverses amusantes, qui n'ont pas grand-chose à voir avec la peinture, mais il est difficile d'empêcher les didacticiens de l'art, même les meilleurs, de spéculer. Par exemple : le modèle a-t-il quelque part dans la réussite d'un portrait ? En ce qui me concerne, j'ai l'intime conviction que l'abstraction, ou l'idéalisation si on préfère, a des limites. Une intime conviction fondée sur des évidences.
Ou encore ce point d'interrogation : la ressemblance avec le modèle est-elle importante ?
Ce sont des questions qui feraient sourire un peintre s'il n'était agacé de voir qu'elles ont relégué la peinture au second plan. Elle ne fait plus partie de la vie, ce n'est plus qu'une toile de fond.

Le dernier des mystiques

De Rodin certains disent qu'il sculpte comme un dessinateur - à l'inverse, Ingres (1780-1867). Ses corps de femmes sont comme taillés dans la pierre. C’est la conséquence d’une lenteur d’exécution volontaire, d’une tension très forte vers la beauté, cette cime pure.

Petite parenthèse : il faut se méfier des formules sur tel peintre, telle "école", en voir les limites. Des penseurs, Alain ou Valéry par exemple, poussent souvent leurs raisonnements jusqu’à l’absurdité la plus noire, ce n'est pas un service à rendre aux peintres. Baudelaire est un bien meilleur auxiliaire.

Je crains que la direction technique suivie par Ingres ne l'ait amené à sacrifier un peu d’élan vital. Disons que, pour ma part, je lui préfère un peintre plus sensuel comme Chassériau, pour me cantonner à cette époque charnière où le déclin a commencé.
Cependant il faut s’intéresser à Ingres parce que c'est le dernier grand peintre mystique, plus encore que Delacroix.

Le catalogue de l’exposition publié par la Réunion des musées nationaux mérite qu'on s'y attarde. On passera la préface à la sauce marxiste de Andrew C.S., qui en est encore à rabâcher ces vieilles fadaises que la peinture d’Ingres préfigure celle de Picasso, à compter le nombre de vertèbres de l'odalisque… Ah, ah, c’est un comble pour un apôtre de la décomposition, n’est-ce pas ? Pauvre Picasso, comme il a dû souffrir d'être cerné par tous ces Philistins…

Ingres aussi a souffert, bien sûr. De l'exil. Du siège qu'il a soutenu. Est-ce que ça n’explique pas un peu cette crispation sur la beauté ? Pour défendre la gravure, il signe deux pétitions qui veulent interdire que la photographie soit assimilée "aux œuvres fruits de l’intelligence et de l’étude de l’art". Défense des artisans-graveurs, bien sûr, rouage essentiel de la grande peinture depuis plusieurs siècles, une défense "pensée".

Un des cataloguistes ajoute : « (…) Au cours de la dernière décennie de la vie d’Ingres, de 1857 à 1867, la légitimation de la peinture de paysage fut, en dehors des provocations de Courbet puis de Manet, le grand sujet de discorde du jury du Salon. Dans ce contexte, il est tout à fait possible qu’Ingres ait émis quelques remarques cinglantes (…) » Ingres qui faisait exécuter les paysages sous-jacents par Marius Granet.

Et cette citation du maître traduit bien les sentiments contradictoires qui l'agitèrent tout au long de sa carrière de peintre réactionnaire :

« Toutes les religieuses paraissent belles (…). J’ai souvent admiré, dans les églises, les sentiments d’affection et d’amour qui animent les visages des personnes pieuses. La dévotion qu’elles ressentent devant les madones ou les saints préférés doit être extrêmement satisfaisante pour le cœur. J’avoue que j’envie leur état. Je maudis au fond de moi-même cette philosophie qui (…) anéantit en nous les plus douces émotions. »